Le nouveau film d’Eric Besnard, sort en salle le 25 août, avec entre autres, dans les rôles principaux, Clovis Cornillac et Bruno Solo.

Ce film est soutenu par le WWF dans le cadre de sa campagne « non à l’or illégal» .

Synopsis : un groupe d’aventuriers entreprend de faire le casse d’une mine d’or en Guyane. L’opération ne se déroule pas comme prévu, et lors de leur fuite, leur hélicoptère est obligé de se poser en catastrophe en plein milieu de la jungle. Ils ont mis la main sur 600 kilos d’or et doivent continuer leur chemin en portant l’or sur leur dos dans ce milieu hostile. Le butin devient alors un fardeau. Les 5 fuyards s’enfoncent dans la jungle. Le climat, la fatigue, les insectes, la menace des poursuivants, tout concourt à rendre leur marche impossible. La fièvre de l’or n’arrange pas la cohésion du groupe de ces 5 hommes et 2 femmes.

« Le film incarne et met en image un message d’alerte que nous avons lancé il y a quelques mois avec notre campagne Non à l’or illégal. Il reflète notre position sur la protection de l’écosystème de la Guyane et de l’Amazonie en luttant contre une catastrophe sanitaire et sociale, afin d’orienter le consommateur vers un acte d’achat responsable»  s’exprime Serge Orru, directeur du WWF France.

« Le voyage de l’or, entre la mine dont il est extrait, et la vitrine où il est exposé après avoir été travaillé, dissimule des histoires peu « brillantes » où la traçabilité est quasi-inexistante. Nous avons voulu dans ce film démontrer ces mécanismes et les rendre visibles à tous. Avec la campagne Non à l’or illégal que nous avons lancée à la Saint Valentin 2010 et le site qui lui est dédié (www.nonalorillegal.fr), nous alertons le consommateur. Cette première démarche mondiale, qui a déjà recueilli plusieurs milliers de signatures, est un véritable succès. Et depuis, le sujet de la traçabilité de l’or est abordé lors des réunions entre bijoutiers et joaillers : une grande première dans l’histoire du commerce de l’or ! Nous avons à ce sujet lancé une enquête d’envergure nationale sur la traçabilité des magasins en France (résultats disponibles sur le site cité ci-dessus). D’autre part, nous rappelons au consommateur qu’aujourd’hui, lorsqu’il achète un bijou en or, à part le nombre de carats, c’est-à-dire la caractéristique chimique élémentaire rien n’indique son origine, le lieu d’extraction et de transformation. Ensuite, nous montrons que derrière ce constat amer peut se cacher le pire. Par exemple en Guyane, cette absence de transparence permet aux tonnes d’or produites illégalement chaque année par des milliers de clandestins venus du Brésil, d’intégrer avec une facilité déconcertante les filières légales. Tout comme l’argent sale, l’or est « blanchit. » Cette cavalcade amazonienne mise en scène par le film est fondée sur cette évidence, d’ailleurs explicitée par le personnage de Bruno Solo : le problème de l’or n’est pas de l’écouler, mais bien de se l’approprier et de le conserver» .

« En tant qu’ONG de protection de la nature, nous sommes responsables de la préservation de la biodiversité. En cela, l’extraction illégale de l’or pose un problème écologique dans une région du monde d’intérêt biologique exceptionnel. Dans le film, le manque de traçabilité permet aux voleurs d’écouler aisément leur butin. Dans la réalité, il permet à l’or illégal de s’infiltrer dans la filière légale pour terminer au cou, au poignet, ou au doigt du consommateur, qui par son achat soutient sans le savoir cette production illégale. Or, cette extraction illégale s’effectue en dehors de tout cadre réglementaire, en particulier environnemental. Ainsi, alors qu’il est interdit d’utiliser le mercure dans l’exploitation aurifère depuis presque 5 ans en Guyane, les orpailleurs illégaux l’emploient chaque jour pour capturer plus facilement les paillettes d’or. Ce mercure, transformé puis concentré dans la chaîne des poissons carnivores, conduit à l’empoisonnement des populations amérindiennes de la région. Pour accéder à l’or ils détruisent les lits des rivières et donc tous les écosystèmes qui s’y sont développés sur des centaines de kilomètres. Les bateaux des chercheurs d’or illégaux sont équipés de moteurs qui ravagent en quelques jours seulement des régions d’une richesse naturelle incalculable» .

« Comme la plupart des fictions, ce film nous en révèle davantage tout en épurant certains détails. C’est un véritable tour de force car il parvient en une poignée de minutes à incarner le fléau gigantesque qui frappe actuellement la Guyane et une part croissante de l’Amazonie : la fièvre de l’or. D’un autre côté, le film en dit beaucoup moins que la réalité, parce qu’il ne s’embarrasse pas d’éléments qu’un documentaire sur le sujet ne pourraient éviter : la distinction entre l’exploitation aurifère légale et illégale, l’intervention accrue des forces de l’ordre, la vague migratoire des garimpeiros brésiliens, la participation de certains amérindiens au trafic, etc. Enfin, tout ce qui fait que l’exploitation aurifère en Amazonie, et en Guyane en particulier, est un sujet complexe à traiter, dans un film, comme dans la réalité» .

Notre équipe basée en Guyane travaille depuis plus de deux ans maintenant pour assembler une à une les différentes pièces du puzzle de l’orpaillage illégal. La campagne s’est construite sur une enquête menée « de la mine à la vitrine », des missions de terrain en Guyane, des survols aériens de la région, une revue de littérature, des échanges fréquents avec nos collègues du Suriname, du Guyana et du Brésil. En parallèle, Éric Besnard menait sa propre enquête, rassemblant lui aussi les éléments épars qui lui ont permis de donner corps à cette histoire, de nouer l’intrigue. Ainsi, de manière indépendante, poursuivant des buts différents, nos projets se sont rejoints. C’est à l’occasion du visionnage de la maquette du film et des discussions qui ont suivi que nous avons compris, l’un et l’autre, que nous avions beaucoup en commun. Nous avons évolué indépendamment de la même façon» .

Pour plus d’informations sur cette campagne : www.nonalorillegal.fr

Une expérience cocasse et courageuse qui a donné naissance à un livre :  No Impact Man :

S’il est facile de parler de développement durable, il est plus difficile de mettre en pratique tous les comportements nécessaires, afin d’être au maximum éco responsable.

Cette famille new yorkaise s’est aventurée dans un pari audicieux dans un pays où chaque habitant émet en moyenne ving tonnes de CO2 par an et produit tous les jours deux kilos de détritus.

No impact Man s’appuie sur cinq règles :

1 : ne plus produire de déchets (plastique, papier)

2 : ne plus user d’énergie fossile (gaz, pétrole)

3 : se nourrir de produits bio et locaux

4 : éviter les achats superflus

5 : pratique la compensation carbone : ramasser les sacs plastiques sur la plage, reboiser, planter des légumes dans un jardin communautaire…

Et…ils ont tenu bon ! entre crises de nerf et crise de rire…

Plus de papier toilette : chaque minute, la consommation de papier toilette nécessite d’abattre l’équivalent de neuf terrains de foot dans la forêt amazonnienne. Du bicarbonate de soude en guise de déodorant et de dentifrice et réhabilitation du bidet dans la salle de bain.

Boycoot de l’avion, du métro, et de tout transport motorisé : pendant un an, ils ont circulé en vélo ou en rickshaw, un tricycle construit avec des éléments recyclés, le train était permis.

Plus d’ascenseur, alors que leur appartement est au neuvième étage.  Vingt sept étages à monter chaque jour entre leur domicile, celui de la nounou et le bureau. Seule Michèle, la mère a eu droit à un petit privilège : son bureau se situe au quarante troisième étage d’un gratte ciel !

Résultat : perte de poids et mollets super musclés !

Terminé les appareils électriques (enfin, presque !) :  l’électroménager, seule exception, la cuisinière. Ils ont pu préparer de bons petits plats maison afin d’éviter les emballages et les barquettes.

Seule entorse au règlement : le café, ils n’ont pu se résoudre à s’en passer. Acheté dans le Starbucks du coin, mais sans quitter leur mug !

En l’absence du réfrigérateur,  ils ont pu tester la méthode africaine du « pot dans le pot» , mais l’expérience ne fût pas convaincante. Ils ont donc choisi de faire les courses au jour le jour pour éviter les problèmes de conservation.

La lessive  : echec sur toute la ligne du test de la technique du vendangeur : battre le linge avec les pieds dans la baignoire. Après quelques jours, ils ont donc rebranché leur bon vieux lave linge.

Plus de téléviseur à mille chaînes tv : ils ont regoûté au plaisir d’être ensemble, de recevoir les amis, de discuter. Ils ont même retrouvé leur complicité amoureuse, Michèle étant, d’habitude accro aux émissions de tv réalité.

Résultat : ils ont rebranché leur réfrigérateur au bout d’un an, et la TV, elle, est restée dans la cave !!

De cette parenthèse écolo, ils ont gardé des réflexes anti gaspillage et ont opté pour une nouvelle phylosophie.

No Impact Man de Colin Beavan, éd Fleuve Noir.

Blog : http://noimpactman.typepad.com/

De cette parenthèse écolo, ils ont gardé des réflexes anti gaspillage et ont opté pour une nouvelle phylosophie.

Les « Recycling Party»  sont nées d’un constat simple : les 18 – 30 ans figurent parmi les plus nombreux consommateurs d’équipements électroniques et électriques.

Ils en changent régulièrement, mais sont peu sensibles à la nécessité de les rapporter dans un lieu de collecte pour le recyclage.

Le concept est simple : amener le soir du concert un appareil électronique usagé comme un ordinateur, un téléphone ou un mp3…

Et la place vous sera offerte !

Ainsi, vous participez à un monde plus vert et à la protection de l’environnement.

Ces recycling party sont organisées un peu partout en France, et sont organisés par la plateforme de recyclage ERP.

L’ERP, l’European Recycling Party, est un éco organisme européen qui est chargé de la collecte et de la valorisation des déchets d’équipements électriques et électroniques (DEEE).

L’ERP travaille en collaboration avec NoMajorMusik, la plateforme musicale communautaire en ligne, sur ce type d’évènement.

Informations sur :

http://www.erp-recycling.org/

Vidéo interview rigolo « Recycling party»  de Daphné Burki.

http://burkiblog.blog.canalplus.fr/tag/recycling+party

Boutons : au fil du temps

COLLECTION LOÏC ALLIO

Le matériau historique de l’exposition sera constitué par un ensemble de plus de 1500 précieux exemplaires issus de la collection Loïc Allio, considérée comme l’une des plus belles au monde.

Un rare bouton chinois vieux de 2500 ans.
Des boutons du Moyen Âge récemment exhumés, portant encore des traces de rouille laissées par leur long séjour sous terre.

Des boutons portés par la noblesse de Versailles et dans les jardins du Palais-Royal, ainsi que ceux des révolutionnaires qui assiégèrent la Bastille. La fin du XVIIIe siècle est considérée comme l’âge d’or du bouton; leur décoration devient une passion dans la haute société. Certains d’entre eux ont été attribués à des artistes célèbres – comme Carmontelle, Fragonard ou Isabey – qui produisirent des peintures miniatures que les fabricants de boutons mettaient sous verre. On dit même que la Reine de France s’essaya à ce passe-temps élégant.

De magnifiques boutons des années 1920-30, à l’usage de la haute couture pour Paul Poiret et surtout Elsa Schiaparelli. Des artistes de premier plan comme Vlaminck, Giacometti et Sonia Delaunay se saisirent de ces petits objets hautement utilitaires pour exprimer leur talent artistique, faisant de leurs boutons une partie intégrante des vêtements qu’ils embellissaient.

Des boutons bleu-blanc-rouge marquant la Libération de la France à la fin de la Seconde Guerre mondiale, portant des messages d’espoir.

Le plus grand bouton du monde en nacre: une production espagnole datant de la fin du XIXe siècle.
Des boutons faits de presque tous les matériaux imaginables – du diamant à la croute de pain dans de la résine, du Talosel à la peau d’élephant.

Bronze ou alliage de métal, culture de l’Ordos, « art des steppes », Chine, 2500 ans ,

Bouton révolutionnaire, la prise de la Bastille, fixé sous verre, fin du XVIIIe siècle.

Céramique sertie de métal, François Hugo pour Elsa Schiaparelli, années 40,

Perles sur métal, Roger Jean Pierre pour Yves Saint Laurent, années 60,

Bronze, Alberto Giacometti (1901-1966) pour Elsa Schiaparelli, années 30.

CLARE GRAHAM : l’artiste de récupération

Clare Graham, basé à Los Angeles, apporte la preuve que les déchets des uns sont le trésor des autres. Graham tire son inspiration de boutons usagés qu’il trouve en écumant les marchés aux puces de Californie du sud. Sa mission est d’éveiller le public au potentiel recelé par les détritus.

Selon Mayer Rus, critique d’art au Los Angeles Times, « l’échelle grandiose, la maîtrise artistique et la monomanie de l’œuvre de Graham l’élèvent du tartignolle à la sphère du sublime. » Ses lustres aux formes organiques, marines, sont confectionnés à partir de 25 000 boutons méticuleusement assemblés selon leur taille et leur couleur. Graham estime qu’il a recyclé près de trois millions et demi de boutons pour des sculptures telles que Curtain Strands (Fils de rideau) ou Convex Mirror (Miroir convexe).

À cause de la place à part qu’il occupe en marge de l’art généraliste et de la taille énorme de ses sculptures, son œuvre a rarement été vue dans des expositions traditionnelles. Pour l’exposition de la Mona Bimarck Foundation, il a assemblé un lustre spécialement conçu et repliable afin de faciliter son transport de Californie à Paris.
Graham a grandi dans une famille ouvrière de quatre enfants d’une petite ville de l’Ontario, au Canada. Recycleur de la première heure, il se débrouillait avec des vêtements de seconde main et des matériaux d’occasion. « Je suis génétiquement programmé à manier les choses qui ont déjà eu une vie utilitaire ailleurs. »

Après avoir préparé plusieurs diplômes à l’université d’Etat de Long Beach, il gagne Disneyland, où il incarne des personnages comme Dingo et l’ours Boniface. Il monte dans la hiérarchie pour devenir finalement Directeur artistique général de l’ensemble des parcs à thème du réseau Disney.

« Mon travail consiste en une suite de processus simples multipliés à la puissance N, jusqu’à ce que l’accumulation devienne signifiante. » Le public sera invité à méditer cette proposition tout en contemplant des œuvres colossales telles que Lustre Anémone.

LISA KOKIN :

Cette « boutonologue » autoproclamée de San Francisco crée des portraits pointillistes en utilisant des milliers de boutons enfilés sur des câbles. Les créations sculpturales de Lisa Kokin, comme Rescue (Sauvetage), sont festonnées de boutons de différentes formes, tailles et couleurs, maintenus ensemble par de la fausse fibre musculaire, du lin enduit et du grillage.

Comme l’explique Lisa Kokin : « Mon travail évoque la mémoire et l’histoire, à la fois personnelle et collective, ainsi que la zone où elles se croisent. Je m’intéresse à la représentation de la condition humaine à travers les objets que nous laissons derrière nous. » Les boutons ont fait des apparitions fugitives dans la plupart de ses œuvres. Ses parents étaient tapissiers et, dans ses plus vieux souvenirs, Lisa Kokin se revoit en train de jouer dans leur atelier avec des piles de tissu vinyle et de mousse de garnissage.

Nineteen Sixty, Lisa Kokin, boutons et mixed media, 206 cm x 127 cm / 2005.

« Je couds depuis que je suis enfant et le point de   couture joue un grand rôle dans mon travail. » Il    lui était naturel de relier des boutons entre eux pour former un portrait de famille reconstitué tel que Nineteen Sixty (Mille neuf cent soixante). Elle a commencé à expérimenter cette technique en travaillant à une œuvre commémorative dédiée à son père et l’a bientôt étendue au domaine des portraits de famille, passés et présents, humains et canins.

Lisa Kokin a vu son œuvre unique récompensée par une Bourse de l’Artiste individuel du California Arts Council ainsi qu’une Bourse Euréka de la Fleishhacker Foundation.

Ses œuvres murales ont toujours eu une qualité obsessionnelle : chaque bouton est cousu à son voisin pour former une composition comme pixelisée en basse résolution. De près, chaque pièce est un mélange abstrait de couleurs et de formes ; mais plus on se tient éloigné, plus l’image devient déchiffrable.

« Cette interaction entre l’abstrait et le figuratif m’intrigue. C’est comme si je peignais avec des boutons, en créant ma palette à mesure, ajoutant et retranchant jusqu’à ce que le jeu des couleurs et des formes ‘prenne’ et constitue une image cohérente. »

LAUREN LEVY :

Seront exposées un certain nombre d’œuvres tirées de l’exposition de Lauren Levy de 2009 intitulée Beneath the Palm of My Hand (Au-dessous de la paume de ma main). Levy a choisi les boutons comme matériau principal, expliquant : « Quand j’étais petite, en visite chez ma grand-mère, on me récompensait de ma bonne conduite en me permettant de jouer avec la boîte à boutons. Les boutons sont pour moi le matériau parfait pour incarner les notions de perte, de joie, de peine, de tendresse et la folie des émotions extrêmes qui s’ensuivent. »

Lauren Levy est née à Corpus Christi et a fait des études d’art et d’infirmière à l’université du Texas. Elle a poursuivi ses études à l’Ecole des Arts et Techniques de l’Oregon, en art de la forge. « J’ai commencé à fabriquer des sculptures en fil de fer et boutons en 1991, après la naissance de mon premier enfant. J’avais fait jusque là de petites sculptures en métal en utilisant des techniques de forge traditionnelles mais, quand mon bébé a été là, j’avais à peine le temps d’allumer le chalumeau que la sieste était déjà finie. J’ai vite compris la nécessité d’adopter une approche directe, plus rudimentaire, à la fabrication d’objets en métal. »

Les œuvres tridimensionnelles consistent en armatures métalliques couvertes de boutons et façonnées pour ressembler à des animaux sans tête ou des manteaux vides. La critique d’art de l’American Statesman, Jeanne Clair Van Ryzin, a décrit la sculpture de Levy comme « des formes enfantines invitant à l’étreinte imminente », mais poursuit en clarifiant : « (…) le sentiment de perte qui les entoure est palpable. Les dichotomies de la vie sont plus visibles que jamais (…) ».

Sur ses tentures murales, Levy expérimente les boutons en tant qu’outil pour dessiner des objets sur le tissu. Des œuvres telles que God into God (Dieu entre en Dieu), associent des éléments en deux et trois dimensions pour en former un seul. Des carrés noirs de tissu fournissent un fond simple aux images dessinées à partir de boutons figurant des ciseaux et leurs permutations.

Dans des tentures comme Untitled Dress (Robe sans titre), Levy utilise des boutons anciens pour fabriquer de petits manteaux et robes. Les tissus sont travaillés de myriades de points cousus, quasiment comme un patchwork, certains bordés de triangles contrastés – de fines décorations ajoutant une subtile texture à l’ensemble.

Lauren Levy dit de ces œuvres : « Cette série représente l’adaptation et le changement – l’idée que le changement peut se présenter d’abord lentement puis, en un instant, basculer dans le différent et l’intéressant. »

AMALIA AMAKI :

L’artiste et historienne d’art Amalia Amaki développe dans ses coffrets et éventails de prière incrustés de boutons des thèmes liés à son étude de l’héritage africain-américain. À première vue, l’essentiel de l’œuvre d’Amaki ressemble à un assortiment de jolis objets nostalgiques : boîtes de chocolats en forme de cœur enveloppées de papier doré et coffrets à bijoux incrustés de pierreries. Des éventails d’église ouvragés, inspirés par les éventails en papier colorés que les femmes des églises noires du Sud utilisent pour se rafraîchir, encadrent des photos de famille d’époque. Les appétissants chocolats noirs sont en fait des boutons. Les pierreries décorant les coffrets et les montants d’éventail en sont aussi.

Les boutons sont à la base du travail d’Amaki, surtout les boutons usagés. « L’idée qu’ils soient touchés par toutes ces mains inconnues… qui sait combien de mains ont touché un seul bouton ? En même temps, ils sont très beaux, très ornés, comme des bijoux. Il y a tous ces merveilleux passés contenus dans les boutons. »

À travers son usage des boutons, Amaki explore leur rôle dans l’histoire de la culture africaine-américaine, au sein de laquelle ils étaient considérés comme des articles précieux. Au temps de l’esclavage, avoir des boutons à ses habits était un signe particulier de prestige. Les boutons étaient souvent collectionnés comme des bijoux de famille personnels ou utilisés en guise de monnaie non-officielle.

Transformer des objets de tous les jours en art est le style distinctif d’Amaki. « J’adore prendre un objet inattendu et le redéfinir dans le contexte de l’art – comme un bouton, un éventail, une photo défraîchie. S’il y a une chose qui est restée constante dans ma démarche artistique de ces vingt dernières années, c’est mon désir d’abattre les murs entre le soi-disant « artisanat » et les soi-disant « beaux-arts ».

Amalia Amaki est née et a grandi en Géorgie, où elle a reçu de l’université d’Emory son doctorat en Art américain du XXe siècle. En 2001, elle est devenue Curatrice de la Collection d’art Paul R. Jones de l’université de Delaware, une des plus prestigieuses collections d’art africain-américain du monde. Elle est actuellement professeur d’histoire de l’art à l’université d’Alabama.

Beaucoup des œuvres aux boutons de cette exposition parisienne faisaient partie à l’origine d’une rétrospective de 2005 intitulée Boîtes, Boutons et le Blues, au Musée National des Femmes dans les Arts. Les œuvres d’Amaki sont présentes dans les collections permanentes du Grand Musée d’Art,
du Musée des Beaux-Arts de Houston, du Musée d’Art du Minnesota et de l’université d’Emory. Sa fresque ornée de boutons intitulée Sojourners (Visiteurs) a été installée en 1999 à la Porte E-5 de l’aéroport international d’Atlanta.

PENELOPE LEAVER GREEN :

L’artiste britannique Penelope Leaver Green explore la place plus obscure qu’occupent les boutons dans notre culture – la phobie des boutons ou « fibulanophobie ». Leaver Green utilise les boutons dans des collages de tissus pour étudier et répertorier les réactions extrêmes à un objet quotidien. Des réactions extrêmes qui sont plus fréquentes qu’on ne l’imaginerait. (On dit que le grand jazzman Duke Ellington aurait retardé un concert de trente-cinq minutes pendant que des assistants cherchaient une chemise sans boutons !)

L’artiste explique comment son projet a commencé : « J’ai reçu une boîte de boutons d’une amie. Ils avaient appartenu à sa belle-mère, qui venait de mourir, et elle ne savait pas quoi en faire. Ils étaient faits pour une grande variété de vêtements et à partir de toutes sortes de matériaux différents. J’ai passé un temps fou à les trier par taille, par couleur, par ancienneté, etc. C’était compulsif. »

En observant sa propre réaction compulsive devant la boîte à boutons, Leaver Green découvrit la personne phobique aux boutons qui éclaira ensuite ses recherches : « Mon amie m’expliqua qu’on lui avait souvent donné la boîte à boutons de sa grand-mère pour qu’elle joue avec et que celle-ci lui avait inspiré un vif dégoût. Je lui ai envoyé des photos de boutons et lui ai demandé de les classer par ordre de répulsion (il s’est avéré que notre sujet éprouvait une aversion particulière pour les boutons ordinaires en plastique à quatre trous « où se loge la saleté »).

Par le biais d’internet, Leaver Green découvrit beaucoup d’autres fibulanophobiques. « Après avoir rencontré une première phobique aux boutons en personne, j’en ai trouvé des milliers d’autres en ligne, chacun commentant sa propre répulsion. Il y avait des similarités dans leurs réactions mais aussi des idiosyncrasies et, finalement, très peu pouvaient expliquer d’où leur venait cette phobie. »

Leaver Green a étudié l’anglais et le théâtre à l’université d’Exeter et est diplômée de la Formation Supérieure Motley à la scénographie du Théâtre Almeida d’Islington, à Londres. Depuis 2008, elle travaille comme artiste sur textile professionnelle à Bristol, au Royaume-Uni. Au centre de son œuvre se trouve le savoir-faire, l’utilisation de l’aiguille et du fil pour explorer divers concepts et défis, créant un nouveau niveau de sens dans le dialogue entre le medium et le message. »

RENSEIGNEMENTS PRATIQUES

• Lieu
Mona Bismarck Foundation – 34, avenue de New-York – 75116 Paris – 01 47 23 38 88

• Dates et horaires de l’exposition
Du 17 avril au 17 août 2010 Du mardi au samedi, de 12h à 18h30 Fermé les jours fériés
Entrée libre – Catalogue disponible

Article tiré du Fashion Mag.

Ondine, auteure de romans, qui a publié dernièrement aux éditions Anne Carrière « Ben hurle»  et Frédéric, réalisateur, à qui on doit « Omer et le fils de l’étoile» , ont eu le soutien de Frédéric Lopez, chargé par France 2 d’imaginer un programme de « télégénérosité» , et qui lui même a convaincu les ministres de l’Economie et du Budget de modifier par un décret la loi de répartition des gains.

L’animateur au la charge d’animer quatre prime times par an, consacrés au Loto Humanitaire.

Le projet est soutenu par huit ONG : Care, Aides, WWF, la Chaîne de l’espoir, Terre des hommes, Intervida, l’AFXB, SOS Sahel.

Le premier aura lieu au mois de mai.

Ces soirées vont permettre de présenter les différents projets qui seront soutenus par les gains, en France et à l’étranger, en plus de donner aux gens l’envie de jouer.

Le prochain objectif d’Ondine et Frédéric : coordonner des tirages au niveau européen, puis mondial.

Tiré d’un article du magazine Glamour.

« Les films d’alertes et catastrophistes ont été tournés, ils ont eu leur utilité, mais maintenant il faut montrer qu’il existe des solutions, faire entendre les réflexions des paysans, des philosophes et économistes qui, tout en expliquant pourquoi notre modèle de société s’est embourbé dans la crise écologique, financière et politique que nous connaissons, inventent et expérimentent des alternatives. »

Coline Serreau

Dépassant la simple dénonciation d’un système agricole perverti par une volonté de croissance irraisonnée, Coline Serreau nous invite dans « Solutions locales pour un désordre global » à découvrir de nouveaux systèmes de production agricole, des pratiques qui fonctionnent, réparent les dégâts et proposent une vie et une santé améliorées en garantissant une sécurité alimentaire pérenne.

Caméra au poing, Coline Serreau a parcouru le monde pendant près de trois ans à la rencontre de femmes et d’hommes de terrain, penseurs et économistes, qui expérimentent localement, avec succès, des solutions pour panser les plaies d’une terre trop longtemps maltraitée .

Sortie 7 avril 2010.

Samedi soir, le WWF lance une opération mondiale qui consiste à éteindre le maximum de lumières dans le plus grand nombre de villes dans le monde.

Cette opération a pour but de réveiller les consciences des citoyens du monde face aux problèmes de gaspillage d’énergie et de changement climatique.

Earthhour est soutenue par l’ONU, et par les villes partenaires.

Eteignez les lumières, allumez vos consciences samedi soir entre 20 h 30 et 21 h 30.

En 2009, plus de 88 pays et 4000 villes se sont engagées.

Plus de 375 monuments dont l’opéra de Sydney, l’acropole d’Athènes, la Table Mountain d’Afrique du Sud, les pyramides de Gizey,  le christ rédempteur de Rio, la Tour Eiffel de Paris…ont pris part à l’événement…

A l’échelle du territoire national, Earth Hour a représenter une économie de 1 % de la consommation d’électricité métropolitaine, soit 800 mégawatts ou 13 millions d’ampoules de 60 watts arrêtés simultanément. Cela équivaut  à la consommation journalière d’une ville comme Lyon qui compte plus d’un million d’habitants.

Plus d’infos sur le site de WWF

]]> http://leblog.greenky.fr/2010/03/24/1-heure-sans-lumieres-samedi-soir-operation-earthhour/feed/ 6 http://leblog.greenky.fr/2010/03/22/tout-ce-qui-brille-une-comedie-petillante-a-ne-pas-rater/ http://leblog.greenky.fr/2010/03/22/tout-ce-qui-brille-une-comedie-petillante-a-ne-pas-rater/#comments Mon, 22 Mar 2010 13:12:00 +0000 GreenKy http://leblog.greenky.fr/?p=1061

Coup de coeur pour ce long métrage qui sortira en salle le 24 mars 2010.

« Tout ce qui brille»  a été réalisé par Géraldine Nakache, que je trouve très très drole et très très douée, et Hervé Mimran.

Spéciale dédicace à l’excellente prestation d’Audrey Lamy, et à Leila Bekhti. Manu Payet illuminera aussi le film.

Sortie le 24 mars 2010.

Extraits :